Interviews with Seung woo, Park

나는 어릴 때부터 그림으로 표현하는 것을 좋아했다.
음악과 글쓰기도 좋아했지만 가장 좋아하는 것이 그림을 그리는 것이었다.
내가 그림을 그리는 이유는 작품을 만드는 순간이 가장 행복하기 때문이다.
작품을 만드는 순간이 가장 살아있음을 느낀다. 그렇기에 작품을 하면서 살아가는 삶은 나에게 곧 행복한 삶이 되는것이다.

당연히 스스로 결정했다.
내가 초등학생이 되었을 때 나는 그림을 접하고 나서 내가 가야할 길은 예술가의 길이라는 생각을 가졌다.
그리고 지금까지 계속해서 그림을 그리며 작업을 해오고 있다.

나는 자연과 동물, 스포츠 선수에 대한 작품을 만듭니다.
이러한 작품을 만드는 이유는 에너지를 표현하고 싶기 때문입니다.
인생에서 중요하게 생각하게 되는 것 중에서 에너지를 가진 요소들을 볼 때 나 또한 에너지를 얻을 수 있기에 이것은 중요합니다.
사람들에게서 느껴지는 에너지와 자연의 아름다움에서 느껴지는 에너지는 작품으로 만들어졌을 때 사람들에게 전해질 수 있다면 이것은 굉장히 의미와 가치를 가진 작품이 될 것임을 나는 확신한다.
나는 앞으로도 나만의 시선으로 세상에 에너지를 가진 요소들을 작품으로 표현하며 나만의 이야기를 만들어가고 싶다.

다양한 삶의 경험을 많이 해야한다. 그리고 행동으로 무조건 옮겨서 자신의 것임을 확인해야한다.
스포츠를 안해본 사람이 스포츠 선수에 대한 작품을 만드는 것과 동물과 함께 살아보지 않은 사람이 동물을 그리는 것의 차이는 분명할 것이다. 누구나 자신이 경험한 것을 말해보라고 한다면 잘하는 것처럼 경험은 그 사람이 또 다른 가능성을 떠올릴 수 있는 지표와 같은 역할을 하게된다. 그렇기에 이 점이 굉장히 중요하다.
그리고 작품에 대한 표현법은 페인팅과 디지털 작품 모두를 경험하는 것이 중요하다 생각한다.
역사가 중요한 이유는 사람이 살아가는 형태와 결과가 과거에도 있었기에 역사를 알면 미래를 준비할 수 있다.
이것이 삶의 이치이기에 작품 또한 고전부터 전해져오는 페인팅에 대한 공부와 현대 디지털 그래픽을 모두 경험하고 이해하게 된다면 이것은 더 큰 가능성과 가치를 만들 수 있을 것이다.

좋은 디자인너는 사람들의 생활에서 실용적인 면을 도울 수 있는 디자인을 만드는 것이다.
사람들의 삶을 윤택하게 만들 수 있는 디자인은 좋은 디자인이라 생각한다.
반면 훌륭한 디자이너는 사람들이 가치를 높게 지불하고서라도 소유하고 싶게 만드는 디자이너라 생각한다.
아티스트라 불리며 작품과 같은 디자인을 하는 사람이라고 나는 바라본다.

나는 좋은 디자인의 개념을 사용하는 사람들이 평가해준다고 생각한다.
사용하는 대중이 좋아하며 많은 사람들에게 판매되거나 반응이 좋은 디자인은 좋은 디자인이다.
그리고 사람들이 생각하지 못한 디자인으로 대중을 열광시킨다면 그것은 예술 작품에 가깝다고 생각한다.

좋은 디자인과 작품은 고유의 가치를 가지고 있다. 실용적인 가치를 가지고 있거나 보는 사람으로 하여금 감탄을 불러일으키는 디자인과 작품이라면 누구나 돈을 지불하고 싶어진다. 이것이 디자인과 작품의 힘이며 가치를 부여하는 사람들의 시선이다.
좋은 디자인과 작품은 쉽게 나오지 않는다. 이것을 만들기 위해선 정말 많은 노력과 시간, 생각이 투영되어야 한다.

나는 내 그림을 필요로 하는 사람들을 위해 작품을 만들고 싶다.
누군가의 인생을 담아내고 표현할 수 있는 작품을 만드는 것이 즐거운 일 중 하나이다.
그리고 나를 위한 작품을 만들며 살아가는 것이 내 꿈이다.
나의 삶과 생각을 작품으로 만들고 그것을 사람들에게 에너지로 전하는 것이 진정한 행복이라 생각한다.

내가 꿈꾸는 삶의 목표가 23가지 있다. 이중에는 결혼도 있고, 아이를 가지는 것도 있으며 아티스트로 전시를 하는 부분도 있다.
지금까지 5가지가 이루어졌으며 18가지가 남아있다. 그중에서 가장 중요하게 생각하는 한 가지를 꿈으로 꼽는다면 나는 주저없이 내가 생각하는 최고의 가치와 의미를 가진 작품을 만드는 것이라 말할 것이다.
내 인생을 담은 작품을 만들어 보는 것이 꿈의 프로젝트이다.

성공 비결의 첫 번째는 자신만의 것을 만드는 것이라 생각한다.
나만의 스타일을 만들고 그것을 사람들에게 선보이는 것은 당연하게 들리지만 나만의 방식중에 작품 속에 이야기를 담는 것이 있다.
이것은 작품에 굉장한 힘을 더해준다. 스토리가 있는 작품은 경험이 녹아져 들어가 있는 것을 뜻하며 만든 사람의 생각과 철학이 표현되어지게 된다. 두 번째는 작품이 가진 고유의 가치를 제대로 선보일 수 있어야 한다. 제대로 잘 만들어진 작품도 어느 곳에 어떻게 소개되어지느냐에 따라 그 가치의 인정은 하늘과 땅 차이이다.
비결의 재료는 노력과 경험이다.

나는 해외 아티스트로 피카소와 살바도르 달리를 존경한다.
한국의 아티스트로는 김환기, 유영국을 존경한다.

피카소 - 게르니카 작품
살바도르 달리 - 공으로 그린 갈라테이아
김환기 - 우주
유영국 - 산
이들 작품은 모두 자신만의 철학을 명확히 가지고 있다.
그리고 그것을 만들기 위한 노력을 평생 동안 해온 아티스트들이다.

WBC2017 디자인이 훌륭하다 생각한다.
인물과 배경, 의미와 가치를 모두 담은 가장 한국적인 작품이기 때문이다.
한국의 문화유산을 과거와 현대로 나누었고 동서남북 각 방향의 신화속 자연의 신을 표현하였다.
한국에서 매이저리그로 진출한 야구선수들을 표현함으로써 ESPN의 스포츠 방송에서 요청이 온 의미 또한 담을 수 있었다.
하나의 작품 속에 이야기를 과거와 현재로 연결하여 새로운 가능성과 가치를 담았다는 측면이 내가 생각하는 의미를 관통하고 있기에 훌륭했다고 생각한다.

나는 물리적으로 노력하는 시간이 작품의 질적인 퀄리티를 좌우한다고 생각한다.
작품을 다양하게 시도하고 노력하는 경험은 결과물의 다양성과 깊이를 만들 수 있게 도와준다.
1년에 365개의 작품을 만들 수 있도록 하루에 1개의 작품을 만들도록 노력하였으머 20년이 지나는 시점에서 나는 목표만큼의 작품을 표현력을 가질 수 있게되었다.

나는 스피치 강사가 되었거나 이야기를 하는 사람이 되었을 것입니다.
사람들과 생각을 나누고 그것을 정의하고 이해하는 것, 전달하는 것을 좋아하는 나의 스타일에 어울리는 직업이다.

좋아하는 것과 사랑하는 것이란 주제를 나는 생각해본적이 있다.
나에게 디자인과 작품은 좋아하는 것과 사랑하는 것이라는 생각이 든다.
좋아하는 것은 진행하다가 멈출 수 있다. 사랑하는 것은 멈출 수 없는 것이다.
나에게 디자인은 언제든 멈출 수 있고 그만할 수 있는 작업이다. 하지만 예술 작품을 만드는 것은 멈출 수가 없다.
이것은 누군가를 사랑하는 것과 같다. 나에게 디자인은 좋아하는 것으로 시작해서 작품으로 만들어지며 사랑하는 관계가 된다.

가족이다. 가족은 땔 수 없는 존재로 언제나 나에게 사랑을 주는 존재이다.
나를 태어나게 해준 나의 어머니를 가장 사랑하고 존경하며, 나의 형이 그림을 그리고 작품을 만드는 것에 큰 에너지를 주었다.
그리고 현재 내가 있도록 나를 도와준 나의 아내가 가장 큰 지지자 중 한 명이다.

삶에서 발생하는 이벤트(힘듬과 행복함)와 경험, 나의 가족, 나와 함께 작업하는 사람들, 전시, 다양한 회사의 프로젝트, 작품

경험부족으로 내 디자인과 작품에 대한 확신이 없었다. 이것은 나에게 일을 주는 클라이언트 및 작품을 구매하는 사람들에게 제대로 된 가치를 제공하지 못한다는 뜻이기도 하다. 그렇기에 디자인과 작품을 만드는 것이 정말 어려웠다.

프로젝트가 마무리되면 자신의 프로세스를 정리하고 경험을 정리해두어야 한다고 생각한다.
이것은 디자인과 작품에 대한 아카이빙으로 자신만의 경험을 정리하고 백업해두는 과정이다.
이러한 경험과 행동이 자신의 작품을 온전한 가치로 보존되고 전달될 수 있게 해준다.
그리고 자신이 할 수 있는 모든 마케팅 수단을 동원할 수 있어야한다. 지금은 얼마나 좋은 세상인가?
SNS로 홍보를 무료로 할 수 있는 시대가 지금이다.

나는 지금 초대형 작품을 만들 준비를 하고 있다. 이 작품의 크기는 20m정도이며 스포츠 인물 34명과 자연적 배경이 함께 표현한다. 나는 계속해서 나만의 작품을 만들기 위해 노력하고 있으며 이렇게 나온 작품은 다른 아티스트 및 디자이너가 표현하기 쉽지 않은 작품이 될 것이다. 그 이유는 압도적인 작품의 크기와 디태일에 대한 표현도 중요한 점이지만 이야기가 담겨진 의미와 가치를 함께 작품으로 내포하는 것은 어렵다. 이러한 점을 알고 작품을 마주하는 사람들은 나의 에너지를 느낄 수 있을 것이며 모르는 사람 또한 에너지를 느낄 수 있는 작품을 만들 것이다.

나는 내 삶 자체가 예술 작품이 되는 아티스트가 되고싶다. 작품을 만드는 것이 행복이듯 나의 행복한 에너지가 사람들의 행복으로 연결될 수 있도록 삶에 대한 시선과 경험의 가치를 작품으로 전하고 싶다.

나의 생각과 철학, 인생에 대한 시선을 어떤 작품적 가치로 만들어낼 것인가를 궁금해 할 것이다.
그리고 작품의 성장과 함께 변화에 대한 궁금증과 가능성 또한 기대할 것이다.

사람은 누구나 열정적인 시기가 있다면 쉬는 휴식이 필요한 시기가 필요하다. 디자인은 사람들이 휴식을 할 때 실용적인 디자인으로 삶의 여유를 윤택하게 만들어준다. 디자인이 성장하고 좋아질수록 사람들은 최적화 된 삶의 형태를 가질 수 있게 된다.
예술 작품 또한 사람들에게 긍정적 에너지를 준다. 사람들이 예술을 해야하는 이유 중 하나가 자신을 표현하는 법을 알고 경험한 사람들은 삶의 형태와 질이 달라지기 때문이며 이것을 간접 경험하기 위해 전시를 관람하는 것이기도 하다.
삶에서 디자인과 예술은 가장 중요하며 사회 구성원들이 더 유익한 삶을 살기 위해 도움을 주는 요소이다.

나는 지금이 가장 실력이 좋고 경험이 풍부한 시기이다. 이것은 앞으로의 하루하루가 지금처럼 실력이 가장 좋고 경험이 더 쌓인다는 뜻이된다. 앞으로의 내 작품은 더 좋은 경험과 깊이가 생긴 상태에서 만들어지는 작품이며 실력과 표현력 또한 다양하고 잘 표현된 작품이다. 나의 미래가 기대된다.

나의 작품 중에서 'Tiger spirit' 프로젝트가 가장 만족스러웠다. 이 프로젝트는 한국의 전통 동물인 호랑이를 주제로 자연의 사계절을 함께 표현한 작품이다. 이 작품은 인물이 없이 오로지 자연적 요소만으로 이루어진 작품이다. 산과 하늘, 식물과 동물로만 표현이 되었고 한국의 전통 예술 기법인 수묵화가 산맥으로 표현되어져 있다. 사계절의 생동감을 느낄 수 있도록 미디어아트로 작업되어 움직이는 영상 작품으로 만들어졌으며 음악도 함께 만들고 표현되었다.

앞으로 디지털 디자인 시장의 성장과 변화를 보고 싶습니다. AI를 활용한 예술 문화시장의 발전과 변화에 대해서도 관심이 많습니다. 디지털 미디어 아트 시장 또한 다양한 형태의 예술 작품들이 생동감 있는 영상으로 나올 것이기에 대중들의 예술에 대한 인식 변화에 대한 부분 또한 관심사 중 하나이다.

페인팅과 디지털 그래픽을 함께 표현하는 나의 작품들이 디자인 분야에서 더욱 다양하게 표현될 수 있게 발전될 것이며 이와 더불어 디자인 분야에서도 다양한 작가들과 함께 협업 및 프로젝트를 진행할 것으로 생각이된다. 이것은 아티스트와의 협업 뿐만 아니라 다른 장르에 있는 전문가들과 함께 만드는 작품을 뜻한다. 디자인 시장이 디자인 작업에만 국한 된 것이 아닌 다양성과 폭넓은 예술 시장으로 분야가 폭넓어지고 다양한 콘텐츠로 생산될 것이라 생각한다.

나의 작품은 기본적으로 300시간 정도의 시간이 걸린다. 기획 구상하는 시간부터 작품을 몰입하고 만들어지는 과정으로 보기에 작품을 실질적으로 표현하고 그리는 시간은 250시간 이상 정도로 생각하고 있다. 기간으로 본다면 20~30일 정도 사이를 매번 목표로 하며 작업을 진행하고 있다.

이야기를 구성할 아이디어 기획부터 시작을 한다. 작품에서 가장 중요한 점을 이야기라고 생각하기에 나는 언제나 이야기를 어떻게 표현할 수 있는지 그 구성 요소부터 찾고 작업을 준비한다.

I established a studio to embark on a new challenge. Named , it views everyone's dreams in the form of cubes, each becoming its own space and element. My studio encompasses everything needed in the art genres, including character design, branding, illustration, exhibitions, and planning. There are artists who plan and execute projects together, and we created this studio to move towards our dreams together.

To me, design is a form of expressing thoughts. It should encapsulate reality and be easily understood without needing explanation. It should be visually appealing, and in the case of products, should provide a high level of satisfaction when used. From the perspective of creating art through design, it is a challenging task yet a process that leads towards happiness. While I often directly translate my imaginative ideas into tangible elements of reality, there are times when I enjoy expressing them metaphorically or in ways that evoke emotions in people. This versatility is one of the pleasures for an artist.

My favorite artistic design method involves hiding stories within the artwork. If there's a main story, I enjoy embedding various hidden elements within the piece, hoping that the audience will discover them. This approach is one of my ways of expressing art and a crucial element in my creative process. The power of storytelling is immense. Just like in life, if a piece of art contains narratives about experiences that resonate with everyone, its value becomes truly special.

To display artwork on a large media tower, high-resolution rendered video is essential. This process starts with creating high-quality image pieces. I begin with the planning and sketching stages, drawing out initial ideas that I then convert into digital files using Photoshop. Specific elements that require movement are isolated and turned into separate objects. Once all image components are ready, I bring them into a 3D program to add lifelike motion. Afterward, I complete the video with final color correction and special effects, such as swirling snow or falling petals, before rendering it in high quality. This media art piece offers a dynamic experience distinct from static 2D images, further enriched with music, enhancing its artistic significance and value.

South Korea is a country with four distinct seasons, and its national animal, the tiger, is deeply embedded in the country's folklore and mythology. To create a piece that symbolizes Korea and embraces nature, I chose the concept of the four seasons. This seasonal change evokes a sense of life’s journey and the passage of time. My hope was for all these elements to flow together seamlessly. By combining traditional Korean techniques with modern technology, I aimed to create media art that not only reflects my unique perspective but also resonates with those who appreciate Korean culture, offering both a sense of connection and visual enjoyment. Including symbolic animals and the theme of time brings depth to the piece, enhancing its cultural relevance.

I have always had a strong affinity for traditional Korean painting styles, having grown up surrounded by traditional Korean artwork and developing a deep interest in Korea's rich cultural heritage. I’ve often pondered how to bring traditional techniques, like ink wash painting, into a modern context in my art. This journey led me to my current digital painting approach.The process begins with the creation of base textures using traditional tools—brushes and ink—to capture the essence of traditional brush strokes. Next, I sketch and outline the drawing offline, which I then digitize by scanning. In the third step, I digitally refine the outline, followed by color application in Photoshop in the fourth step. In the fifth step, I combine all these elements—textural brush and ink strokes, digital lines, and painting—into a cohesive piece, adjusting lighting and making additional corrections for depth.The next stages involve preparing the artwork for animation. In the sixth step, I separate each element into individual objects. In the seventh step, I animate these objects using specific software, creating a dynamic scene through rendering. Finally, in the eighth step, I enhance the video with special effects and edit it in Premiere Pro to bring it all together. This is my complete process for producing a dynamic digital art piece that embodies both traditional and modern influences.

The COVID-19 pandemic was a challenging time for everyone. During this period, I had the opportunity to showcase my artwork at Starfield City, one of the largest department stores in Korea, where it was displayed across all Starfield City locations on 388 media towers and screens. I wanted to present the tiger, a traditional Korean symbol, to the Korean people through my work. This event remains a special memory for many in Korea. The tiger symbolizes health and good fortune, offering protection and inspiring hope during difficult times. My artwork was created with these same meanings, and I strived to instill it with positive energy to bring hope to the people of Korea.

The planning, composition, and production processes for this project were different from my previous works. To achieve this, I had to seek help from new experts and engage in extensive discussions to share experiences and insights. It was essential to find the best ways and environment to fully express my artwork, and it was also important to convey the right atmosphere through music. This project was truly a new challenge for me.

The artwork is designed so that as viewers shift their gaze from the bottom to the top, they experience the seasons in order: spring, summer, fall, and winter. This concept was planned with the 20-meter-tall media tower in mind. Since people view the piece from below the tower, their gaze naturally travels upward. The artwork aligns with this perspective and is brought to life as a media art video, featuring effects like flower petals blowing in spring and snowflakes falling in winter to create a dynamic, immersive experience.

An artist can achieve many things beyond creating their artwork, but when it comes to specialized areas, differences in quality and detail can emerge. To bring my envisioned work to life, elements that would enhance its vibrancy were essential—these included animation, music, and video production. Each aspect added significant meaning to the overall piece, and because the project was thoroughly planned from concept to execution, the final result came out well.

Since this work was created with the consideration of selling as an NFT, sharing it with NFT sales platforms was also an important aspect. It was necessary to create the artwork in advance to fit the platform's requirements, while also carefully setting the quantity and meaning to maintain its unique value. The media art piece, created along with music, was presented in a way that enhanced its appeal and value to consumers. This approach also added a new direction to the future of art, making it highly meaningful.

Through winning the A Design Award, I was able to reflect on the expression methods and the level of completion of this project. I was able to express Korean traditional animals, nature, and the four seasons in the artwork, and the use of various programs to make the images move in the video helped elevate the potential of the work to a higher level. This project was a meaningful experience as it allowed me to share the value and significance of the artwork not only online but also offline, with people.

The core concept of this project was to create a new type of calendar for an oil company. I began by researching and analyzing the various elements related to refined petroleum. I soon realized that petroleum is used in many more areas than I initially thought. After that, I started considering how to align these elements with the seasons and the environment. I also imagined applying these elements to various machines. Given how humanity's discovery and use of oil led to rapid industrialization, I realized that capturing this history within the artwork would have great meaning and value, and this insight became my inspiration.

The most important aspect I consider in expressing my project’s artwork is balance. Finding the best harmony between the design and the necessary elements to achieve the desired outcome is one of the key aspects of my creative process. In this project, the main focus was to express both the environmental elements and the machines being utilized. I aimed to capture the powerful force and smooth harmony that overcomes all environmental challenges within the artwork.

Winning the A Design Award allowed me to reflect on the expression methods and the overall completion of this project. Exploring how refined petroleum provided by the refinery is utilized, and how machines such as cars, motorcycles, and trucks overcome environmental challenges to harness energy, presented a unique way of expression. This was a rewarding experience, and the ability to incorporate a narrative made it even more meaningful.

The key to this project’s composition was to tell the story of each part through images. For the scene where the truck is driving, I chose the concept of it moving through the city, incorporating both day and night environments. I carefully considered how different color schemes could enhance the overall composition. At night, the vehicle’s lights had to harmonize with the chosen colors, while during the day, I used colors that would be easily recognizable and intuitive. Following the color scheme, the next important element was depth. Since these works were meant to express energy, it was crucial to convey a sense of space and liveliness in each scene. For each concept, I added shapes as background elements, designing the composition to break through and emerge from those shapes.

While expressing the main elements along with the background is a natural approach, combining them with other elements can create challenges when transforming them into a cohesive artwork. The fusion of traditional brush and ink techniques with digital methods was a new challenge and a fresh way of expression. Tradition, when well-executed, brings out something novel, but if done poorly, it can appear outdated. Therefore, I focused on creating a vibrant color palette while allowing the brushstrokes to blend seamlessly. I carefully incorporated color into the brushstrokes and ink effects, dividing the work into touch effects based on a black or white background, depending on the elements and the surrounding context.

To convey a dynamic sense of modern transportation, I incorporated speed lines and similar effects throughout the artwork. Using digital lines and brushstrokes, I expressed the flow and movement of these vehicles. Additionally, I added stylish effects, such as the impact on the ground and the motion of the wheels as the vehicles race forward. By applying varying colors and textures to each element, I maximized the visual impact and enhanced the overall effect of the artwork.

The best way to meet both artistic expression and brand identity requirements is by telling a story through the artwork. When the history of the brand and the narrative of its products are incorporated, it transforms into a work of art with new value. The strength of the story is amplified depending on how the composition and direction of the elements are arranged. By combining traditional Korean techniques, materials, and digital graphics, I created a new form of artwork that merges these different modes of expression.

The allure of cars lies in their energy, speed, and vibrancy. Car enthusiasts have an instinctive craving for speed and the thrill of the chase. To achieve faster speeds, power is essential, driven by the machine's inherent strength and the fuel that powers it. For the lively aspect, I used a sedan to represent smoothness and comfort, while large trucks were used to express raw power and strength. To convey the agile speed, I chose motorcycles, showcasing various forms of automotive culture.

Tradition is a unique value that must be preserved. Even in an era where digital artworks and outcomes are produced, the value of history and tradition will remain and must be protected. This movement is essential even in commercial illustration, and my works and projects will serve as proof of that value. Just as there is no present or future without the past, humanity must always use and preserve the good experiences and values of the past as we move forward. I hope this project will be remembered as a great example in the field of commercial illustration.

In Korea, there’s a tradition where people visit the East Sea every January 1st to watch the sunrise, symbolizing hope for the new year. Korea’s rich cultural heritage is reflected in various historical monuments, and, in recent years, new landmark buildings featuring advanced technologies have also emerged. I aim to express the value of both past and modern architecture in my artwork, seeing them as embodying the essence of Korean identity.

In my artwork, I included the Four Guardian Gods from Korean mythology (Black Tortoise, Blue Dragon, White Tiger, and Red Phoenix) to represent the cardinal directions—North, East, South, and West. I also placed the national flower, the Mugunghwa (Rose of Sharon), at the base to symbolize the ever-blooming energy of athletes. This concept reflects the idea of sharing legendary stories passed down through folklore, as embedding these tales in my work is like recording history itself. I designed the piece to be viewed from various angles, prompting reflection on the perspectives of both the past and the present.

In traditional Korean art, there are various types of brushes, including Saepil (細筆, fine brush), Ganpil (簡筆, simple brush), Chopil (抄筆, sketch brush), Daepil (大筆, large brush), and Akpil (額筆, framing brush). The production methods also vary, such as bundled brushes, milji-jjim brushes, mushimpil (unconscious brush), and yushimpil (intentional brush). I select the most suitable brush based on the qualities needed for my artwork and use it with ink on paper. The textures I create are then scanned to preserve them as digital data, and the original brushstrokes on paper are carefully stored in a separate archival portfolio.

My artwork is meticulously crafted with a left-right symmetrical composition, an essential aspect that symbolizes harmony and balance within the elements of Korean tradition. By integrating natural aspects representing the universe—such as the cardinal directions (East, West, South, North), black and white, and the four seasons—the piece blends these foundational elements with distinctly Korean influences, creating a completely new style. This unique approach allows the artwork to convey a story, imbuing it with its own inherent value. I believe that an artwork with timeless value has the power to resonate with people from all walks of life, conveying profound meaning universally.

Korea’s national flower, the Mugunghwa (hibiscus), is known for its unique ability to bloom once each day. This requires an incredible amount of energy, which is no easy feat for any plant. With its resilience and strength, the Mugunghwa embodies Korea’s potential and enduring value. I wanted to reflect these qualities in the figures of Korean athletes, projecting the flower’s strength and effort into the spirit of those who represent the country. The Mugunghwa, as Korea’s national symbol, is one of the most fitting ways to express Korea's essence and its power of growth.

Combining athletes with their backgrounds can naturally create a seamless composition, a setting that feels familiar and relatable to anyone viewing it. However, blending sports figures with entirely new, unrelated elements introduces complexity to the artistic process. I believe that each piece should convey a story, not only requiring time to create but also embedding a layer of historical significance. Creating a work that represents a country is no easy task. Therefore, producing pieces that bring together Korea’s cherished cultural heritage, national symbols, and athletic spirit is both a challenge and an exploration of possibilities. Despite any obstacles, if a piece can showcase Korea’s essence and values, the effort is profoundly meaningful.

In Korea, there is a rich tradition of ink-based art, with ink wash painting (sumukhwa) being a prime example. The most authentic way to showcase sumukhwa is by using hanji, also known as dak paper, an ancient Korean paper known for its exceptional quality. Hanji enables a more traditional approach to expressing brush and ink strokes. Beyond hanji, using various types of paper for brushstrokes has allowed me to bring unique textures into my work. When combined with digital coloring, these brushstroke effects enhance the artwork, adding vibrancy and a lifelike quality to each piece.

This has become a signature element of my work. It serves as a means to express my thoughts as an artist and as one of the ways I embed my unique values into my creations. Winning the A Design Award helped solidify my perspective on my artwork, and I truly believe it has had a very positive impact on my creations.

Korea’s culture is currently loved by many countries, and I am truly grateful for and cherish this fact. I believe that when works featuring traditional Korean elements are shared with others, it carries great significance. Additionally, I think the interest people have in Korea’s cultural heritage, coupled with the visual information and meaning conveyed through art, can spark new curiosity and excitement. The WBC 2017 work, which expresses positive energy through sports figures, was created with the intent to faithfully capture the charm of sports, a genre that builds new history. I hope that more works like this will emerge, creating synergy with sports culture. This is because the appeal of sports, the efforts of athletes, and the way these are expressed through culture and history in artworks will introduce something new to many people.